Forse, è anche esso pacato ogni giorno?

Venni! Ascolti! Sentii! #1 （序章）

22日（土）と23日（日）の2日間、
岡山市の岡山シンフォニーホールで開かれた
第61回全日本合唱コンクール全国大会（大学･職場･一般部門）。
同じ中国地区内ということで、私の周りの人たちも多く聴きに行った。
私も今回は、久しぶりにほとんどの団体を聴くことができた。
というわけで、私なりの感想を書きとどめておくことにする。
記憶が新鮮なうちに書き上げることができるのだろうか？

まず、全体的な印象から。

会場の岡山シンフォニーホールは、
日本でも有数の音響の良いホールといわれている。
実際、私がいた2階席までほとんどの団体の演奏が鮮明に届いてきた。
しかし逆に、ステージ上では周囲の音が聞こえにくいらしく
第一声の瞬間に動揺する団体も多かったようだ。

また、浅井理事長が表彰式で言っていたように
いい音だけでなくミスまでもきっちり聞こえるため
審査はしやすかったかもしれないが
純粋に演奏を楽しみたい人には辛かったかもしれない。

まあ、そんなことはさて置いても
全体的には非常に高レベルの演奏が多く聴き応えはあった。
JCAコンクールもまだまだ捨てたものではないと思った。

と、持ち上げた上で私の気になったことを数点。

1）パートのバランスの悪いグループが多かった。

2）ハーモニーは整えられているものの、純正律の響きではない。

3）邦人作品において日本語のディクションが感じられない。
　　詩の内容が伝わってこない。

4）宗教作品において、その曲が典礼のどこで使われるのか、
　　どんな意味を持っているのかなどを解さない演奏が多かった。

5）作曲家の特徴や意図を汲まない演奏が目立った。

といったところか。

というわけで、次回からもう少し詳しく。

逝く夏の歌。

きょうの練習から、信長貴富作曲「逝く夏の歌」を始めた。

夏前には信長先生の「島唄」にチャレンジしたけど
やっぱり合唱オリジナル作品は空気感が違うね。
久しぶりに日本語テキストの曲浸っている感じ。

木下牧子作曲「夢見たものは」も同時にやってるけど、
以前よりも一段階高い次元を目指せている。
より純度の高いハーモニーだとか、音色だとか
音の隅々にまで神経の行き届いた音楽ができそうな気がする。
まだまだ、わずかな予感の小さな萌芽だけれど。

そういうタイミングでこの曲に出会えたのはラッキーかもしれない。

この曲のテキストは中原中也の詩。
中也の生前に出版された唯一の詩集「山羊の歌」に収録されている。

小林秀雄が編集していた雑誌「文学界」とともに、
中也にとって作品発表の重要な媒体だった「四季」。
その第3号（昭和8年7月20日発行）に
「少年時」「帰郷」とともに「逝く夏の歌」が載っている。

この詩は、中也詩の中でもっと評価すべきものなのかもしれない。

信長先生はこの秀麗なソネットの（実際は1行多い15行詩だが）
全てに曲を付けるのではなく、第3節の3行にだけ作曲している。
しかも、途中にヴォカリーズを挟むことで
わずか3行とは思えないスケール感を加えつつ。

わずか3行とはいえ、この詩には宇宙の真理にも通じる説得力がある。
信長先生一流の、香りを伴った爽やかな音楽が
中也の詩をまるで道造の詩のように彩っている、とか思った。
なぜ3行だけなのか、信長先生に尋ねてみようか。

フランシスコ･サビエルの弟子たちが
日本で初めて歌ミサを奏でたこの地で教会音楽の響きを求めるように
ここで生まれた中也の詩を歌に乗せる。
そのことに真摯に向かい合うことが、我々の存在価値だと思いたい。

ちょうど今、近所の記念館でこの詩の屋外展示が行われている。

チューニングフォーク【tuning-fork】

いわゆる「音叉」。楽器の調律に使う。
合唱でも近年、ア・カペラの曲を演奏する時などに
冒頭の音取りなどで使用する機会が増えてきている。

かつては、コンクールでもピアノで各パートの音を全て叩いたり、
ピッチパイプというハーモニカと同じ原理の笛を使うことが多かった。
また最近は、自前のキーボードを持ち込む団体もあるが、
例え、音律調整が可能なハーモニーディレクターだったとしても
所詮、鍵盤に頼っている団体というのは私の興味をそそらない。

その点、ピッチパイプは条件的には音叉と同じなのだが、
どうも、あの「プー」という音が頂けない。
その後にわき上がるであろう音楽に期待を抱けないのだ。
そして、多少の偏見が入っているかもしれないが、
ピッチパイプで音を取る団体には演奏する調の主音ではなく
最初の音そのものを鳴らすところが少なくない気がするのだ。
これは、音叉を使っても同じことなのだが
主音を鳴らさないのならば、潔く鍵盤で全部の音を弾いた方がいい。
その方が、悲惨な音になる確率が下がる分だけましではないか。

そんなこんなで、私も音叉を携帯しているが
私のは、そこいらの音叉とはちょいと違う（自慢）。

知り合いの調律師M氏からいただいた
スタインウェイ社の創立150周年記念モデルなのだ（再び自慢）。聞くところによると、1万5000円相当の品らしい。
手に取るとずっしり重く、安定した美しい響きが長く続く一品だ。

さらにこの音叉には、血塗られた歴史が秘められている。

ご存じの方はご存じの通り、最近の合唱界はA=442Hzが一般的。
つまり、俗に言う「ラ」の音を442Hzに合わせている。
伴奏用のピアノは大概、442ヘルツに調律されているが
音叉も442Hzのものを持っている人が多い。
しかし、この音叉はA=440Hzだったのだ。

「442Hzもすることもできますよ」と言うM氏の言葉に

「それでは今度、やり方を教えてください」とお願いしたのだが、
しばらく経って、あるリハーサル会場で一緒になり
偶然、二人ともまとまった時間が空いたので実行に移した。

理屈は簡単、チューニングメーターを見ながら
ヤスリで音叉をガシガシ削るだけだ。
二股に分かれた先の方を削れば音が高くなり、
逆に根本を削れば音は低くなるのだそうだ。
もっとも、M氏が持ち出したチューナーは十数万円のプロ仕様で
設定した音に対してどれだけ高い（低い）かが一目瞭然で
極端な話、音感に自身がない人でも簡単に使える代物だったけど。

ところがである。
さすがスタインウェイ社の記念品。削っても削っても音が変わらない。
正確に言うと、メッキが立派すぎてなかなか削れないのだ。

二人で交代しながら20分位削っただろうか？
業を煮やしたM氏がそれまでの数倍の力を込めてヤスった。
すると、さしものメッキもようやくはがれ、少し音が高くなった。
気をよくしたM氏は、さらに力を込めてヤスった。

あと一息で目指す442Hzに到着すると、ほっと一息ついた瞬間
手を止めたM氏の右手の人差し指が、鮮やかな赤色に染まる。
「うげ～、Mさん。めっちゃ血が出てますよ」
「うわっ、本当じゃ。夢中になりすぎた」
「この後、まだ調律あるんですよね。大丈夫ですか？」
「そりゃ何とかなるけど。こりゃいけん。
ちょっと、手を洗ってくるから。あとよろしく」

そんなこんなで、世界に一つだけの音叉“スタインウェイ150周年記念モデル442バージョン」が完成した。
けっこう痛々しくはがれたメッキが、M氏の傷を連想させるけど。

für Wakamono 1 純正律

うちの若者（ドイツ語読みで“う゛ぁかもの”）たちも
この頃ようやくやる気を出して「上手くなりたい」と思い始めたようだ。
もともと田舎には音楽をアカデミックに楽しむような環境はなく
彼らの欲求を満たし、なおかつモチベーションを
維持するための刺激が少ない。
またそもそも、（指揮者なしの）我々のように異端的な
音楽を目指すグループ自体が少ないのだ。

したがって、何をやるにつけても方法論を手探りで見つけねばならなかった。
そのため、彼らに対する説明やフォローを
十分にできていなかったのも事実である。
そこでこの際、基礎の基礎に立ち戻って必要な知識を書き留めておきたい。

というのがこの項の趣旨なので、面白くも目新しくもありません。念のため。

まずは、純正律と平均律の差から。

純正律の響きを目指そうとする時、しばしば
「その音は（長調の）第三音だからもっと低めに」とか
「五度はもっと広く」といった指示をすることがある。
現代の音楽では、（十二）平均律が事実上のスタンダードになっているが、
その背景には、音楽の主役が声楽から器楽へと移っていったことがある。
またピアノなどの鍵盤楽器が、音楽教育の現場で
中心的な役割を果たしていることも大きな理由である。
本来、人間の声は演奏中でも自由に調律が可能であるが
以上のような理由から前出の指示、
つまり平均律との差を調整する必要が生じるわけだ。

	ド	レ	ミ	ファ	ソ	ラ	シ	ド
周波数比	1	9/8	5/4	4/3	3/2	5/3	15/8	2
セント	0	204	386	498	702	884	1088	1200
差(セント)		204	182	112	204	182	204	112
平均律との差	0	+4	-14	-2	+2	-16	-12	0

上記の表は、純正律と平均律の差を数値化したもの。
セントとは平均律の半音を100としてそれぞれの音程を表している。
1オクターブは半音12個分なので1200セントということになる。

表を見れば、第三音（ミ）がいかに低いかがよくわかる。
純正の長三度はそれだけ狭いのだ。
一方、五度（ソ）は数値上はわずか2セントの違いだが、
感覚的には平均律に比べてかなり広い。
澄み切った青空のような、明るい五度を鳴らすことが
純正の響きへの第一歩なのである。

実際の演奏では、この表の通りには使えないものもある（レファラなど）。
しかし、純正律と平均律がいかに違うかを実感するための足がかりとして
こうした数字を知ることも有効では？

「西洋音楽発祥の地・山口」のための断片。１

某所で進行中の企画に関する情報整理のための個人的メモ。

◆山口は、日本で初めてクリスマスを祝った場所。
∵フロイス著「日本史」（松田毅一、川崎桃太訳・中央公論社）より
「（山口）において（日本で）初めて降誕祭の祝いが催されたが、その報せに接したキリシタンたちは、これを大いに喜んだ。彼らは夜を徹するために我らの家に来て、（夜明けの）第二ミサまでそこに留まり、（その間）絶えずジョアン・フェルナンデスが彼らに朗読するデウスのことを傾聴した。」
（第6巻「豊後編I」第7章P101）

上記は、1552年の降誕祭についての記述。注釈によれば、サビエルが渡日した1549年以後で4回目の降誕祭となるこの年、初めて司祭と信徒とが一緒に祝うことができたという意味。

◆山口が日本における西洋音楽発祥の地？
「コスメ・デ・トルレス師は仲間と援助者たちが（到着するのを）待ちに待っていたので、彼らにあった時の喜びようは信じられぬばかりであった。同地方のキリシタンたち一同の喜びもそれに劣らなかった。降誕祭（当）日に彼らは歌ミサを唱え、キリシタンたちは、それが初めてのことであったから非常に喜んで傾聴した。そしてその夜を徹して彼らは（キリシタンたち）に我らの主なるキリストの生涯を読んで聞かせた。また司祭たちはそれぞれ三つのミサを捧げ、なぜそのように（三度のミサを）読むのか、その理由を（キリシタンたち）に説明した。
（第6巻「豊後編I」第8章P111）

つまり、1552年12月24日に山口で執り行われた降誕祭の歌ミサが、日本における西洋音楽の発祥であり、日本で初めてのクリスマスの祝いだったという解釈である。西洋音楽の発祥についてはこのほか、1551年にサビエルが布教の許可を求めて大内義隆に接見した際、差し出した貢ぎ物の中に「マニコルデオ」という鍵盤楽器があり、これが義隆の前で奏でられた時とする主張もある。

◆西洋音楽発祥の地山口世界音楽祭
1993年から7年間にわたって山口市で開かれた。2007年には第5回山口国際交流芸術祭の中で、その考え方を継いだとされる「西洋音楽発祥の地山口～フランス音楽特集コンサート」が開催された。

平均律【へいきん-りつ】

1オクターブを均等に12等分した音律。
正式には「十二平均律」だが、一般に平均律というとこのこと。

古くから、美しい音程を容易に演奏することを目指して
純正律や中全音律、ウェル・テンペラメントといった
様々な調律法が試みられてきた。
しかし、どの調律法にも転調が困難だったり、
美しくない音程があるなどの欠点が存在する。

平均律はこうした問題に対して、ある意味割り切った方法といえる。
つまり、周波数的に単純な、いわゆる美しい音程を捨てる代わりに
どの音程をとっても“まあまあ”美しく、
どの調へも容易に転調できるのである。
これによって、ピアノなどの鍵盤楽器や
ギターなどのフレットのある弦楽器は大きな恩恵を受ける。
（その代償として、ピアノには専門の調律師が必要になった）

しかし、合唱において平均律の必要性とは何であろうか？
一つは、最も身近な伴奏楽器であるピアノとの共演。
一般的に、ピアノは平均律で調律されているため
ピアノの音と“ハモる”ために平均律は有効であると考えられる。

では、ア・カペラの場合は？

人間の声はおそらく、
というより間違いなく最も調律のたやすい楽器である。
（もちろんそれが、器楽に対して合唱の難しさでもあるのだが）
演奏中でも、どんどん転調することができる。
（指揮者や皆の意志に反して、勝手に転調していく場合もあるが）
つまり、一音ごとに純正的なハーモニーを奏でることができるはずで
平均律など、合唱には全く必要ないはず。

にも関わらず、日本の多くの合唱団は平均律である。

それは、鍵盤楽器に頼ることで、いわゆる音取りが容易だから。
鍵盤に頼らないソルフェージュ能力を身につけることを思えば、
鍵盤を使った、それなりの音で満足する方が話が早い。
それにそもそも、子どもの頃から平均律に慣れ親しんでいる
現在の音楽環境では、平均律で十分と思っている。

だから純正律のハーモニーを目指しているグループの中にも
「結局、耳で聞いて分かるほどは違わないでしょ」
とか思っている輩がいるのである。

もちろん、平均律に対する批判への反論として
「単純な周波数比が美しいとは言い切れない」というのも分かる。
だがしかし、ロートルながら若い頃から減三和音や
トーン・クラスターを“気持ちいい音”と感じてきた私などは
平均律の長三和音や短三和音を「ハモる音」、
二度音程や、時には属七の和音でさえ「ハモらない音」という
先輩たちに唖然としていたものだ。
だからこそ、正確な周波数比もさることながら
どうせなら、すこしでも“心地いい音”を出したいと思うし、
人間の耳というのは思ったよりも高性能だと信じている。

てか、どちらかというと和音よりは
平均律によって歌われるメロディーって色っぽくない
って思ってしまうのだ。
別に、調性格論的な理屈を展開したい訳じゃないけど。

というわけで、続きはいずれ「純正律」の項ででも。

合唱を素直に楽しむ中学生もいるよ。

縁あって、伊藤博文の生家に近い中学校の合唱コンクールをみる。

このコンクールは文化祭の一環で、
学習の成果発表や各種の展示発表などもあった。
文化祭のメインイベントが合唱コンクールというわけだ。

高速を飛ばして学校に着いた時には、すでに文化祭は始まっていて
1年生が総合的な学習での経験を発表していた。
2年生が同じく総合的な学習として行った職場体験を報告した後、
「友愛コンテスト」と銘打った全校企画が行われた。

どうやら、各クラス対抗でテーマの「友愛」を表現して
その優劣を競うものらしく、審査基準は“わかりやすさ”とのこと。
替え歌あり、いじめ撲滅を訴える寸劇ありの内容だったが
客席の手拍子にかき消されて何を言っているのか分からなかったり、
練習不足で途中の段取りがぶっ飛んだりで、おおむねグダグダ。
進行役の男子生徒のコンビも、適当なやりとりで
まるで「あらびき団」を地でいっているかのようだった。
結局、「アルゴリズム行進＆体操」を全員でやったクラスが
最もわかりやすかったので大賞に輝いた。

まあ個人的には、進行役の口から飛び出した
「男子と女子の声がベリーマッチしてました」の言葉が
MIPだったんですけど。

コンクールに先立って、
全校生徒が今年のNコンの課題曲「手紙」を合唱。
全国大会での有力校の演奏が記憶に新しいが、
彼らの演奏はそのどこにも負けていなかった。

もちろん、演奏としてのクオリティは比べるべくもない。
しかし「上手く歌ってやろう」などという気負いが全くなく、
中学生らしい感性で今の流行歌を歌っている姿は、
ともすれば背伸びしがちな昨今のコンクール事情からすれば
まるで有力校が（そしてコンクールに慣れきってしまった我々が）
忘れてしまった大切な何かを教えてくれているようにも聞こえた。

続いて、教職員による合唱。演奏曲は、木下牧子作曲の「春に」。
校長、教頭がともに合唱経験ありということもあるのだろうが
教員が協力して、しかも中学生向けのレパートリーを歌うというのは
なかなかできることではないと感心した。
演奏自体は、お世辞にも上手とはいえないものだが
彼らの、生徒に音楽の楽しさを伝えたいという気持ちは十分に分かる。

そしていよいよ合唱コンクール。
学年ごとの課題曲と生徒たちが選んだ自由曲の2曲を演奏。
課題曲は1年生が「夢の世界を」、2年生が「若い翼は」
そして3年生が「モルダウ」だった。

1年生は混声合唱そのものが入学して初体験だったはずで
男子などは声変わりも十分ではない。
昨今は、大人顔負けの美声を披露する中学校も多いが
ここの1年生は、技術的には未熟といわざるを得ない。
しかし必死に歌って、幼いなりに何かを表現しようとする姿は
今後の成長を十分に期待させるものだった。

2年生になるとさすがに1年生とは格段の上達ぶり。
どのクラスも、ハーモニーには多分に難があったが
表現するための手段もいくつかは持っているようだった。
特に、自由曲に松下耕作曲の「信じる」を選んだクラスは
ユニゾンの統一感がピカイチで、
アゴーギクの変化などにも自発性が感じられ、最も好感を持った。

3年生は「ひめゆりの塔」「流浪の民」「親しらず子しらず」と
図らずもクラシックな選曲となった。
演奏技術の点では2年生に対して、2年生と1年生ほどの差はない。
しかし、選曲や曲への思い入れに関しては
相当の成長があるようで、この時期の1年間の大きさを感じる。
結果的には、課題曲を最も表現豊かに演奏し
修学旅行でいった沖縄ゆかりの曲を自由曲に選んだクラスが
全校通じての1位を獲得した。
しかし他のクラスも、正しい様式感で音楽的にも高度だったり
メンタルが音楽をリードしたりと、十二分に楽しませてくれた。

全体を通じて感じたことだが、
各種の発表だったり、「友愛コンテスト」などでは
どうしようもないくらいグダグダな生徒たちが
いざ演奏となると、別人のようにビシッとするのは驚きだった。
意地悪くいうと「他の時もシャンとしようよ」ということになるが
一人残らずが、音楽がとても好きなんだということが伝わってきた。
そして「静かにしてください」といわれれば、そのとたん沈黙し
演奏の前には姿勢を正して指揮者に注目する。
そんな当たり前のマナーが、当たり前にできている。
その影には、彼らや音楽の将来を真剣に考えた人の存在を感じる。
コンクール上位入賞という分かりやすい結果だけを追うのではなく、
中学生の将来のための種まきをするということは
誰にでもできるものではないと、頭の下がる思いだった。

コンクールの後、PTA合唱団も歌声を披露した。
演奏の前には「私たちの背中を見て学んで欲しい」というメッセージも。
しかし、そんな言葉を吐いていいのか、というのが正直な感想だった。
演奏が生徒たちとは比べものにならないのは仕方ない。
だが実は、彼らは客席にいる時から
生徒たちが発表や演奏をしているというのにペチャクチャおしゃべりし、
ビデオやデジカメをピコピコならすなど、騒々しいことこの上なかった。
さすがに、自分の子どもの出番だけは気になっていたようだったが、
それ以外は自分たちの演奏時間や衣装のことの方が大事とみえて
終始上の空だった。
他者の発表や演奏に熱心に耳を傾ける生徒たちとは正反対である。
彼らこそ、生徒たちの背中を見て学んで欲しいと本気で思った。

まあそれでも、そんなお母さんたちだけではなく
いそがしいであろうお父さんたちまでが歌声を披露。
そのサポートに男性の教職員が加わるなど、
大人たちみんなが、生徒たちの合唱コンクールを盛り上げようという
思いは十分に評価していいだろう。

そして、こうした学校や地域が
合唱コンクールで活躍する日が来ることを願う。
もちろん、コンクール以外の場でも構わないのだが、
悲しいかな、コンクールで活躍して初めて認める人がいるからである。

Nコンの感想など。

NHK全国学校音楽コンクール全国コンクールの3daysが終わった。
といっても、テレビで見てただけだけど。

11日は小学校。
最近、変な姿勢で歌う児童が急増中。
必要以上に表情が豊かなのは昔からかもしれないけど、
変にふんぞり返ったり、肩をいからせて首を振ったりが目立つ。
おそらく指揮者が変な指導をしていると思われる。
小学校の指導者の特徴は“指揮者”より“教育者”だということか。
偏見かもしれないが、とても音楽をやっているように見えない人が多い。
いわゆる「合唱人」とは別の人種だということか。
この子たちの内の何人が、将来も合唱とつきあってくれるのだろう？

12日は中学校。
今年はアンジェラ・アキ作曲の「手紙」が課題曲。
この曲、流行歌としては優れているのかもしれないが
合唱曲として、中学生が歌うコンクールの課題曲としてはいかがか？
番組の最後で全体合唱をしたら、多くの生徒が涙を流していた。
彼らに涙を流させた背景を考えたら、背筋が凍る思いだった。
ＮＨＫがなんどもこの曲をテーマにした番組を放送したことにも
生徒たちを利用した大人の事情が見え隠れして嫌だった。

13日は高等学校。
結局、課題曲の「青春賦」を上手に演奏した学校はなかった。
近年、高校の合唱レベル向上はめざましい。
停滞が続く大学との差は広がるばかりである。
そんな高校生たちを持ってしても歌えないとは駄作なのか？
否である。
今、信長貴富ほど合唱人の気持ちが分かる作曲家はいないだろう。
逆に、気持ちが先走りしすぎて音楽の流れを止めてしまうのだ。

この曲が三拍子だということも一因のようだ。
その昔、農耕民族である日本人は三拍子系が苦手といわれていた頃
三拍子系の曲を演奏する時に、横揺れが多用された。
「身体を揺らしながらリズムに乗って歌いましょう」ってやつだ。
しかし、騎馬民族のリズムといわれる三拍子系は
縦方向の円運動に近く、いくらやっても上手く歌えるはずはなかった。
さすがに、今の高校生たちは三拍子系など苦にするはずもない。
もっと複雑な複合拍子や変拍子だって楽勝だろう。
にも関わらず三拍子に乗れないのはなぜ？
それは、三拍子の円運動に引っ張られて
音楽が前に進まないからではないかと感じた。

日本人は、三拍子というとすぐワルツを連想する。
ワルツは日本人が思っている以上にリズムが強い。
ウィンナ・ワルツが良い例だ。
しかし実際には、ワルツ以外の三拍子も多く存在する。
そりゃそうだ。二拍子が全てマーチではないように。

この曲の場合は、音楽が緩やかな螺旋を描きながら
次第に高みに登っていくイメージだ。
少しずつだが確実にテンションが上がっていく。
それを拍子に合わせてガタンガタン歌うものだから
いつまでたっても同じところをグルグル回ってるだけだ。
そもそも日本人は、じわじわと盛り上がっていくというのが苦手だ。
刹那的で、わかりやすい激情型の音楽が好きなのだ。
だからＳ・バーバーの「Agnus Dei」（Adagio）や
Ｍ・ローリゼンの「O Magnum Mysterium」なんかが上手くない。
アメリカ人の音楽はしつこい位、水があふれるような感動が来る。
ハリウッド映画のわかりやすさとは全く逆だ。

まあ、指揮者の棒が悪いってのもあるだろうけど
（その証拠に、Ｋ１先生が振った全体合唱が一番上手だった）
高校生といっても、小学生と同じような指導をしているのかもね。
結局、マインドコントロールが一番上手い指導者が成功するとか。

あ。あと、少人数で練習したり詩の解釈をしたり
それぞれに工夫を凝らした練習をしてるみたいだったけど
それが不思議なくらい音楽に現れていないのが面白かった。
きっと、どこかで方法論だけを輸入してきたんだろうね。
それが理解できていないから、大学に行って苦労するのかな。
だから、大学のレベルが上がらないのか。

ロマン派【ろまん-は】

ヨーロッパを中心に、1800年代から1900年代まで続いた音楽。
文学・美術・哲学の分野で起こったロマン主義運動と連動し
古典派音楽を発展させたものらしい。

個人的には、ロマン派ってなんか嫌い。
特に合唱の分野では全く興味がないといっていいくらい嫌い。
と思っていたけど、その理由についてはあまり考えたことがなかった。

というわけで、あらためて嫌いな理由を挙げてみる。

1）なんか、脂ギトギトのフランス料理を食べているみたいでしつこい。

2）とくに松葉（クレッシェンド＆デクレッシェンド）の表現が大げさで
大映テレビのドラマを見ているようで醒める。

3）メロディー偏重で、音楽の構造そのものに面白みがない。

といったところか。

器楽の分野ではブラームスを筆頭にベルリオーズやシューマンなど
あんまり嫌いじゃないなぁ。
きっと、合唱の方がこの嫌な部分を強調する傾向にあるのだな。

さしずめ、
4）のど自慢的で、攻撃一辺倒の“ばっちい”演奏が多い。
って感じなのかな。

でも、よく考えたら
ロマン派でも、プレイヤーが頭を使って演奏すれば
“知的”で深みのある演奏ができるってことかもね。
もちろん曲によって限界はあるだろうけど。

そういうわけで今、
ブラームスの「ドイツレクイエム」に取り組んでいます。
実はこの曲、私が生まれて初めて買った合唱のレコードです。
演奏者はショルティ＆CSO。ソプラノはキリ・テ・カナワです。

ロマン派嫌いがなぜこれを買ったかというと、
フォーレ以外のレクイエムが欲しかったから（だったと思う）。
これがショルティとの出会いでもあったのだな。
今回、ドイツレクイエムを演奏するにあたり
何枚もCDを聞いたんだけど、これが私のベスト盤だったね。
オケだけでいうと、必ずしもCSOが最高ではないんだけど
（カラヤン＆BPOの2回目とかバリ巧！）
トータルとして､特に合唱のクオリティが高かった。
というか、合唱がひどすぎる盤の多いこと。

とはいうものの､この曲
美しい部分があったかと思うと演奏者に丸投げの部分があったりで
テンポ設定だとか、音色の作り方だとか、デュナーミクだとか
何か一つが間違っただけで、とっても不味い料理になってしまう感じ。
そのくせ、こんなところでこんな風に歌わせるなよ！みたいなのも多い。
まあ、あり得ない曲という意味では古典派でも
ベートーベンのような例もあるわけだから、
時代というよりは地域性みたいなものか？
でも、バッハのような厳格な感じはないもんな。

もっとも“まだ交響曲を書くほど勉強していない”頃の作品なので
細部を見ていけば色々と未熟な部分はあるみたい。
ぶっちゃけていうと4つの交響曲ほどのクオリティはない。

こりゃ、名演奏が少ないわけだ。

あ、あともう一つ思い出した。
ロマン派の何が嫌いって、ロマン派が好きな人にろくな人がいないこと。

偏見といわれるかもしれないけど、
ロマン派が好きな人って、何でもカンタービレにしてしまう傾向があって
特にバロック以前の音楽が上手く歌えない人が多いよね。
きっと、自分が気持ちよく歌うことが一番大事で、
他パートや器楽との対話とか、他者を引き立てるとかに興味がない。
きっとそういう人が嫌いなんだな。俺。

「題名のない音楽会」だったね。

きょうの「題名のない音楽会」は常磐津×ブルーマングループ。
久しぶりに「題名」を見たって気がした。

黛俊郎が他界した後、武田鉄矢、羽田健太郎がＭＣを務めたけど、
いずれもやや大衆寄りで、アカデミックな内容が減ってしまっていた。

佐渡裕へのバトンタッチが発表されたとき
実はかなり期待したんだけれど、これまであまり満たされていない。
特に「振ってみましょう」や「吹奏楽クリニック」などは
番組というよりはむしろイベントで
視聴者には得るものが少なかった感は否めない。

そんな中で今回の企画は、内容の掘り下げは甘かったものの
今後に期待を持たせるものだったと思う。

特に、ブルーマンがオウム返しに常磐津の猿まねをして、
それが「ドラえもんのうた」に変わる件は秀逸だった。
演奏だけではなく、笑いの要素も取り入れている
ブルーマンならではの仕掛けだし、
“ドラえ～もん”のメロディーに含まれる微分音は
常磐津ならではの歌い回しで自然に処理されていた。
浄瑠璃の「はい、タケコプター。はっはっは」も最高だった。

これを見て、かつて黛時代に和楽器による「ボレロ」を思い出した。
黛自身の編曲だったのか、それとも前田憲男か誰かだったのか分からないが
オリジナル楽器に勝るとも劣らない、迫力のある演奏だった。

指揮者である佐渡は、作曲家の黛とはやはり視点が違うだろうが
こうした、音楽の仕組みをアカデミックに楽しませてくれる企画も
たまにでいいので手がけて欲しいと思う。

ところで、ブルーマンが演奏するオリジナル楽器って
バンブーオーケストラと基本的に同じだよね。
竹ではなく排気ダクトなのでちょっと薄っぺらい音だけど。